Андреа Креспи: художник, представивший голографическую медузу на Венецианской биеннале

Голографическая медуза, витрина, бывшая венецианская церковь: в инсталляции «Тетис» Андреа Креспи есть все для создания эстетического резонанса. Главный вопрос — достаточно ли этой красоты или она способна породить нечто большее: переосмысление того, как мы сегодня превращаем живое в изображение, символ в опыт, а технологию в явление. Представленная в рамках проекта «As Above, So Below» на 61-й Венецианской биеннале, эта инсталляция Андреа Креспи (Милан, 1992) помещает в бывшую церковь Святых Космы и Дамиана на Джудекке существо, зависшее между биологией, мифом и технологией. Но «Тетис» – это также важный шаг для понимания его творчества за пределами привычных ярлыков, таких как цифровое искусство, NFT, phygital, бренд или ИИ.

Кто такой художник Андреа Креспи

Миланец, тридцати четырех лет, Креспи создал узнаваемый стиль, сочетающий физические и цифровые медиа, оптические линии, классические образы, переосмысленные с помощью цифровых технологий, и мгновенно узнаваемый визуальный почерк. Его работы выставлялись от Миланской Триеннале до Художественного музея CAFA в Пекине, от Таймс-сквер до Art Dubai. С «Тетис» он делает иной шаг: это не персональная выставка, а единственное произведение искусства в пространстве, наполненном исторической памятью. Только медуза и тишина церкви.

«Я взял в руки iPad раньше, чем кисть», — рассказывает он. Но художник не любит ярлыков. «Я занимался цифровым искусством еще до появления NFT. Когда наступила та эпоха, я был молодым художником, который хотел посвятить искусству свою жизнь. Я нашел в этой неизведанной области «голубой океан» — пространство для позиционирования, для обретения узнаваемости, ярлыка. Но потом этот ярлык стал тесен, как и любому другому. Я не считаю себя NFT-художником. Это часть моего опыта, но не то, кем я являюсь».

Интервью с Андреа Креспи. Инсталляция в Венеции

Поверхность медузы имеет два различных регистра: оптическую текстуру головы и неровность щупалец. Это разрыв или преемственность?
Компоненты линий, текстур, видимого и невидимого лица — это не только узнаваемый элемент моей поэтики, но и концептуальное и нарративное значение: оно расширяет смысл работы за пределы эффекта движущейся в витрине медузы. Я не стремился к преемственности. Я хотел, чтобы произведение содержало обе составляющие: цифровое и живое, без поглощения одного другим.

Тетис знает судьбу Ахилла, но не может ее изменить. Она знает, но не действует. В эпоху, когда от искусства требуют производить эффект, почему выбрана фигура, которая хранит, а не вмешивается?
Это метафорический выбор. Я много черпаю из классической греко-римской традиции: эти фигуры становятся архетипами, символами. Я читаю «Человека и его символы» Юнга, и это чтение еще больше укрепило во мне идею Тетис как фигуры глубокой бездны, трансформации, тайны. Но работа была создана за несколько месяцев до этого: мне интересно, чтобы со временем она обогащалась новыми смыслами. Сколько бы мы ни пытались заглянуть за пределы неизведанного, будущее остается загадкой. Мир меняется в одночасье. Мы видели пандемии, войны. Тетис заключает в себе тайну нашей жизни.

Ответственность художника при использовании ИИ

Искусственный интеллект сделал создание визуального контента доступным для всех. Куда смещается ответственность художника?
С помощью трех ключевых слов вы просите ChatGPT сгенерировать медузу, и он это делает. Тут нет вопросов. Но этот запрос относится к изображению, а искусство — это не изображение. Символ не представляет объект, который вы видите; он представляет целое воображаемое пространство, которое часто невозможно понять без ключа к его прочтению. Этимологически символ — это то, что объединяет. Ответственность художника состоит в том, чтобы успешно донести свое сообщение, затрагивая струны, недоступные другим видам коммуникации. Одна посетительница моей выставки, размышляя над одной из моих работ, сказала мне: «Вы смогли превратить науку в поэзию». Вот в чем суть. Искусство всегда было средством коммуникации с древних времен до наших дней. Генерация изображения — это не оно.

Цифровая красота — это по-прежнему критическая область или она рискует стать быстро исчерпаемой категорией?
Великие произведения прошлого остаются знаковыми также из-за их редкости: у вас есть «Весна» Боттичелли, «Мона Лиза», и других таких нет. В цифровом мире редкости не существует. Сегодня «Мона Лиза» существует больше в цифровой, чем в физической форме: почти никто не видит ее вживую каждый день, но все ее узнают. Миф строится через коммуникацию, сегодня в том числе цифровую. В этом смысле классика не неприкосновенна: она продолжает жить, потому что распространяется. Рынок, сообщество, художник, время и художественная система — все это способствует превращению произведения в икону.

Вас считают «фиджитал»-художником. Расскажите, что это такое, без лозунгов…
Это отражение того, что происходит. Технология становится более человечной, а человек — более цифровым. В моей практике это не отдельные миры: они питают друг друга. Я создаю холст, связанный с голограммой, которая связана с цифровой работой, которая связана со скульптурой. «Фиджитал» — это не концепция; физическое и цифровое — это просто реальность, в которой мы живем.

Узнаваемый стиль, бренд, рынок: где проходит граница?
Все великие художники сегодня являются брендами. Я работаю над тем, чтобы превратить свое творчество в бренд. Но бренд не означает стать чисто коммерческим. Это означает создание узнаваемости, в которой по-прежнему есть поэзия. Потому что если все сводится к цифрам, просмотрам, продажам, то вы становитесь бухгалтером. Вы теряете этот заряд, и люди это чувствуют. Технология помогает мне не попасть в эту ловушку: она меняется с невероятной скоростью, постоянно стимулируя эксперименты. Я не ограничиваюсь копированием одного сюжета. Средство меняется, но почерк остается. Риск в том, что это может стать золотой клеткой. Нужно это заметить заранее.

Вы не любите ярлыки, вы постоянно развиваетесь: будете ли вы продолжать менять медиум?
Именно в этом и заключается вызов. Я развиваю концепцию иконизации и узнаваемости, но должен избегать того, чтобы это стало механическим. Этим летом я думаю о проекте с эстетикой, отличной от линии, о новой территории. Как это было со скульптурой: она стимулировала меня, потому что мне пришлось переводить что-то двухмерное в трехмерное. Это утомительно. В этом и смысл. Когда это перестает быть утомительным, вы просто копируете.

Информация о выставке:

• Название: «Андреа Креспи, Тетис» в рамках проекта «As Above, So Below»
• Место проведения: Бывшая церковь Святых Космы и Дамиана, остров Джудекка, Венеция
• Даты: До 8 июня 2026 года
• Организаторы: One Ocean Foundation / ZEITGEIST19